El personaje invisible | Una plática con Rodrigo Flores






El personaje invisible | Una plática con Rodrigo Flores

Por: Lety Ramírez


Rodrigo es un compositor musical con experiencia en scores para películas, programas de televisión y obras de teatro, una de las películas más famosas en la que ha trabajado es Guten Tag Ramón(2013), y tuvimos la oportunidad de platicar con él sobre sus inicios, inspiración y scores favoritos, además de un curso que impartirá a partir del 22 de septiembre titulado “El Personaje Invisible”.


¿Cómo comenzó tu interés en componer música para cine?

Siempre me ha gustado mucho la música y contar historias, recuerdo que de niño me gustaba mucho Star Wars y cosas de este estilo, siempre estaba presente este asunto de cómo contar historias pero con la música también y de repente a veces prefería la música de la

película que el juguete aun sin estar seguro de cuál era el trabajo del compositor en una película.

Conforme fueron pasando los años fui entendiendo que había un compositor que era el que se encargaba de hacer que la música fuera específicamente diseñada para esa historia, para esa escena, para ese momento y yo tenia como 12 años cuando ya había decidido que quería ser compositor y además de todo de música para cine. Cuando entré a la universidad surgió la oportunidad para componer para teatro y empecé a probar muchas cosas como compositor y de alguna manera como narrador de historias por medio de la música, aunque me encantaba actuar, incuso he actuado muchas veces; siempre me ha gustado toda esta gama de posibilidades dentro del teatro y del cine pero desde entonces empecé a enfocarme cada vez más y hasta la fecha lo que más he hecho son proyectos de teatro porque ahí empecé a probar muchas cosas, creo que mi música para teatro normalmente se siente más en el canal cinematográfico por tanta influencia.


Como amante del cine me encanta saber quién dirige y participa en una película y esto incluye quién hace el score y sus influencias, pero una duda que tengo es: ¿Cómo funciona la relación entre el director y el compositor de la música en una película?

La verdad es que puede variar muchísimo, afortunadamente hay relaciones director- compositor que se han vuelto memorables por el potencial que se puede tener combinando estas dos creaciones.

La visión general de todo el proyecto siempre la tiene el director, pero una cosa que sucede mucho es que porque la música es normalmente el medio más alejado del director, el que menos conoce, muchas veces es el que mas miedo le da porque es más fácil que un director pueda decirte cosas de iluminación, de cómo es el color de la imagen y su composición pero lo más difícil de visualizar es la música, normalmente existe un riesgo de que el director tenga un

poco de miedo de aventarse a darle su proyecto al compositor, creo que ahí es donde esta el reto: establecer una mancuerna que puede ser fuertísima, el director tiene que hacer un salto de fe al darle su película a un compositor, le tiene que transmitir su visión de qué es lo que quiere contar y qué es lo que está tratando de lograr con la película y el compositor tiene que entender toda esa visión y traducirla a términos musicales.

Cuando se logra esa relación obtienes mancuernas como Bernard Herrmann y Alfred Hitchcock, John Williams y Steven Spielberg, Peter Greenaway y Michael Nyman, Christopher Nolan y Hans Zimmer; son mancuernas que han logrado hacer que una película se eleve muchísimo.


¿En tu experiencia cómo ha sido esa relación?

He tenido muy buena suerte, con los directores con los que he trabajado ha habido esta confianza en lo que puedo lograr y eso me ha ayudado mucho a disfrutar cada proyecto y a poder proponer cosas, una cosa que sucede mucho en el cine es que cuando se edita una

película se hace una cosa que se llama “temp track” de música y es ahí cuando se pone música que ya existe para comenzar la edición, y se edita tanto con esta música que a veces para los directores es difícil desprenderse de esa música y algo que sucede mucho en el cine de Estados Unidos es que el director le pide al compositor que imite la música de este temp track, lo suficientemente distinta para que no los demanden pero lo suficientemente parecida de forma

que sea lo que se había acostumbrado a escuchar y ahí se corre el riesgo de perder originalidad y creatividad.

Los directores con los que he trabajado no me han limitado en ese sentido, me han abierto las posibilidades de explorar, de ser creativo y de encontrar qué es lo que la película está pidiendo

y eso ayuda mucho a hacer una propuesta.


Y ese proceso del que hablas ¿Cómo funciona, tu ves un avance de la película y empiezas a componer, te pasan un story board y una parte del guion o es simplemente una plática con el director?

Es muy variable, lo que normalmente sucede es que la música entra en la etapa de postproducción, lo ideal es que la película ya esté editada porque el compositor necesita momento muy específicos, si va a encontrar el momento especifico de sincronización de muchas cosas en la película entonces tiene que buscar que con esa edición final pueda, si es que ya elige los tempos y los compases, que puedan cuadrar esos momentos específicos con las notas que ya están editadas y que no se van a mover en la película. Pero esta el story board, esta el guion, están todos estos elementos que pueden ser importantes, si existe la mancuerna entre un director y un compositor muchísimas veces existe la posibilidad de empezar a tener ideas desde antes con la conciencia de que una vez que se filma un guion puede cambiar muchísimo y puede contar una historia que no estaba escrita, pero la verdad es que también puede ser una ayuda para ir conceptualizando muchas cosas. Por ejemplo, en la película Interestellar, Christopher Nolan ni siquiera le había dicho a Hans Zimmer específicamente de que se trataba la película sólo le dio una carta de un padre a un hijo y con eso Zimmer tuvo que componer el tema principal que iba a definir la parte emotiva de la historia y Zimmer no tenia ni idea de que la película iba a tratarse de nada del espacio, Nolan quedo muy complacido con la música propuesta porque era la esencia que quería que tuviera la película, la relación padre e hija. La idea es tener comunicación.


El tiempo juega un papel muy importante a la hora de componer un score y hay momentos de presión, ¿Crees que esa presión te ayuda a realizar tu trabajo?

La verdad es que es un poco extraño pero cuando empezaba veía que sobre todo, en medios visuales, la composición es una profesión que implica mucha presión y la verdad es que a veces tenerla me ayuda a crear más cosas, se tiene que acostumbrar uno a utilizar las cosas

que ha aprendido, como tener una cartera de posibilidades, tienes que trabajar súper rápido en algunos momentos para lograr que eso funcione, pero me ayuda a sacar esa creatividad porque hay una fecha límite en la que tiene que estar todo listo.


Tocas el piano ¿Además tocas otro instrumento?

Mi instrumento secundario fue canto, entonces la voz es el secundario.


¿Esos dos instrumentos son clave para tus composiciones? ¿Cómo funciona tu proceso al componer?

Si, la verdad es que me ayudan mucho los dos , la voz porque para teatro he incluso compuesto musicales y en alguna época hice también proyectos que tenían que ver con ser cantautor entonces siempre ha sido una parte importante para mi al momento de componer.

El piano es mi recurso para hacer muchas cosas, una cosa que te da el piano es un rango de todos los instrumentos de la orquesta, entonces puede uno visualizar muchas cosas y me ayuda mucho tener ese elemento de partida, para de ahí trabajar ideas, pensar en armonías, ritmos y todo este tipo de cosas para después traducirlo en cosas orquestales y adaptarlo a un idioma que en la orquesta funcione.


¿Podrías decirnos algunos de tus compositores de score favoritos?

Jerry Goldsmith es uno de los primeros que me marcó porque tenia la posibilidad de ser muy camaleónico en sus películas, como en La Profecía que es una cosa terrorífica, impresionante a después estar con los Gremlins que es algo curioso y chistoso, y de pronto de

ahí cambiar a un thriller como Durmiendo con el Enemigo que es otro mundo; él fue uno de los compositores que me dio el ejemplo de cuanto puedes explorar en la música y tener una esencia. También están otros más conocidos como John Williams con Star Wars quien ya estaba siendo una influencia para mi desde pequeño y Alan Menken que hacia muchas de las cosas de Disney, tanto en los scores como en las canciones, durante el resurgimiento de los musicales como La Bella y La Bestia y Aladdin, me llamó mucho la atención cómo podía mezclar las canciones con el score y unificar todo de manera que fuera un trabajo muy sólido.


¿Alguna película reciente cuyo score haya sido particularmente impresionante e innovador para ti?

Me sucedió con mucha música de Johan Johansson quien desafortunadamente ya falleció pero empezó a hacer una carrera en películas como Arrival, Sicario y La Teoría del Todo, las últimas dos le valieron nominaciones al Oscar; él era muy propositivo, tenia cosas muy interesantes, y de hecho él trabajaba con Hildur Guðnadóttir que también es muy buena, hizo el score de Chernobyl y Joker, increíbles propuestas; ella a veces dice que no se considera

compositora de cine pero algo muy interesante es que ha sabido conceptualizar muy bien las cosas, por ejemplo en Chernobyl se fue a grabar a una planta nuclear abandonada para a partir de esos sonidos crear el score de la serie.


¿En tu opinión qué es lo que hace a un score memorable?

Creo que más allá de solo explorar la parte emocional que es lo que normalmente se habla en el cine, como la música te va a decir si esta triste la escena; lo que mas me llama la atención es que pueda también contar una historia, que pueda ayudar a contarla de manera

que complemente en formas que a veces incluso los demás elementos no hacen. Desde el cine clásico como Psicosis puedes pensar en la escena de la regadera y cómo se volvió increíblemente famosa porque la música aportó algo increíble, curiosamente Alfred Hitchcock no quería que hubiera música en esa escena y resultó que la música es gran parte de lo que te hace sentir terror, el score logra ir más allá y agregar cosas que no están en los otros elementos del cine y se vuelve trascendente y es lo que estoy buscando siempre ver, hasta qué punto la música esta logrando ir mas allá de solo las emociones y esta realmente convirtiéndose en cineasta.


Tienes un curso en puerta que empieza el 22 de septiembre titulado “El Personaje Invisible”. ¿Qué puede esperar la gente que se inscriba, a quién va dirigido y de qué va a tratar?

Como hay tanta gente que ama el cine y se interesa por la música de las películas, busco que cualquier cinéfilo pueda ver una película, escuchar la música y entender muchísimo más de lo que esta haciendo esa música en una película, vemos películas desde que empieza el

cine sonoro y la relación de la música con ellas, como ha ido evolucionando con diferentes ejemplos hasta el cine mas actual, aprendemos a escuchar lo que hace la música en las películas y lo que nos esta diciendo, funciona como una especie de base.


El curso “El personaje Invisible” será del 22 de septiembre hasta el 10 de noviembre, consta de 8 sesiones de 2 horas en línea.

Si se quieren inscribir pueden hacerlo en este link.

Hi, how are you

© 2016  Baltan Magazine

Desarrollado por Violeta Torres

Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial del contenido de baltanmag.com sin un permiso explícito de la editorial.